El Blogcito Musical

Chabuca Granda con Joaquín Soler Serrano

2010-08-01T19:09:00.005-03:00

En esta larga entrevista se puede apreciar en su magnitud la figura artística de esta artista indispensable de la canción popular de América latina.

Nueva versión de "Construcción"

2010-07-05T08:41:00.002-03:00

"Construcción" es uno de los grandes himnos compuestos por el siempre vigente Chico Buarque en la década del sesenta. Acá Chico nos asombra con un nuevo arreglo, mucho más actual, de esta obra de arte de la música popular de Brasil.

Construcción

Letra y música: Chico Buarque
Traducción: Daniel Viglietti

Amó aquella vez como si fuese última
Besó a su mujer como si fuese última
Y a cada hijo suyo cual si fuese el único
Y atravesó la calle con su paso tímido
Subió a la construcción como si fuese máquina
Alzó en el balcón cuatro paredes sólidas
Ladrillo con ladrillo en un diseño mágico
Sus ojos embotados de cemento y lágrimas

Sentóse a descansar como si fuese sábado
Comió su pan con queso cual si fuese un príncipe
Bebió y sollozó como si fuese un náufrago
Danzó y se rió como si oyese música
Y tropezó en el cielo con su paso alcohólico
Y flotó por el aire cual si fuese un pájaro
Y terminó en el suelo como un bulto fláccido
Y agonizó en el medio del paseo público
Murió a contramano entorpeciendo el tránsito

Amó aquella vez como si fuese el último
Besó a su mujer como si fuese única
Y a cada hijo suyo cual si fuese el pródigo
Y atravesó la calle con su paso alcohólico
Subió a la construcción como si fuese sólida
Alzó en el balcón cuatro paredes mágicas
Ladrillo con ladrillo en un diseño lógico
Sus ojos embotados de cemento y tránsito

Sentose a descansar como si fuese un príncipe
Comió su pan con queso cual si fuese el máximo
Bebió y sollozó como si fuese máquina
Danzó y se rió como si fuese el próximo
Y tropezó en el cielo cual si oyese música
Y flotó por el aire cual si fuese sábado
Y terminó en el suelo como un bulto tímido
Agonizó en el medio del paseo náufrago

Murió a contramano entorpeciendo el público

Amó aquella vez como si fuese máquina
Besó a su mujer como si fuese lógico
Alzó en el balcón cuatro paredes flácidas
Sentose a descansar como si fuese un pájaro
Y flotó en el aire cual si fuese un príncipe
Y terminó en el suelo como un bulto alcohólico
Murió a contramano entorpeciendo el sábado

Por ese pan de comer y el suelo para dormir
Registro para nacer, permiso para reir
Por dejarme respirar y por dejarme existir
Dios le pague

Por esa capa de grasa que tenemos que beber
Por ese humo desgracia que tenemos que toser
Por los andamios de gente para subir y caer
Dios le pague

Por esas vidas que un día nos van a escupir
y por las moscas y besos que nos vendran a cubrir
y por la calma postrera que al fin nos va a redimir
Dios le pague

Eva Ayllon

2010-07-03T20:34:00.002-03:00

Una de las grandes voces del Perú de todos los tiempos, acá haciendo un clásico como "Toro mata". Presten atención a los arreglos y a lo que suena la orquesta.

Raúl Garello, más fuerte que nunca...

2010-06-15T11:01:00.004-03:00

Raúl Garello comparte con Astor Piazzolla la virtud de musicalizar como ningún otro músico de tango el Buenos Aires de nuestros días, con la diferencia de que las imágenes que proyecta la música del bandoneonista oriundo de Chacabuco son más actuales. Desde que lo descubrí en los fenomenales arreglos que hacía para Roberto Goyeneche siempre su música me describió la ciudad con un colorido muy especial.

Las razones habrá que buscarlas en lo generacional: Garello es posterior a los popes, un poco más joven pero mamó de ellos, los conoció, los trató. Cuando Aníbal Troilo estaba ya acostumbrado a la gloria, a mediados de la década del sesenta y Astor consumaba la parte de su obra que me sigue pareciendo central (de toda su obra, lo que va de mediados de los sesenta a mediados de los setenta es sustancial) Garello debutaba como arreglador de la orquesta del gordo nada menos que trabajando sobre "Los mareados", tal como se lo pidió Pichuco en la cocina de su casa.

Lo importante es que este bandoneonista pareciera que se especializa en estar siempre tuteándose con la vanguardia pero sin caer en la tentación elitista. Fue diseñando un sonido propio, una expresión original que lo distingue y hace que hasta se lo adivine cuando se agarra un tema suyo empezado en una radio, privilegio que no tienen muchos músicos.

Fue el director y arreglador con el que el polaco más grabó, ya sea en su carácter de director de la Orquesta Típica Porteña o dirigiendo su propia agrupación. Tiene también en su haber la dirección de la Orquesta del Tango de Buenos Aires junto al maestro Carlos García por la que pasaron dos jóvenes cantantes de altísimo nivel que fatalmente fallecieron muy temprano: Hernán Salinas y el oriental Gustavo Noccetti.

En "Tiempo Fuerte" su último trabajo, Garello viene a ratificar que sigue ocupando un lugar irreemplazable en la música de Buenos Aires y pintándola con lujos de detalle en este nuevo siglo. Musicaliza letras muy actuales como "Paco a paco", de José Tcherkaski y sigue prestándole especial atención a nuevos poetas como Raimundo Rosales.

Rachelle Ferrell

2010-06-12T19:30:00.004-03:00

Esta actuación de Rachell Ferrell es de comienzos de los noventa cuando grabó su primer disco "First instrumen". Aquí compone una versión electrizante de "Las hojas muertas", con una forma de scateo muy original y un sonido gutural muy dunga dunga.

Por si fuera poco el inplvidable Michel Petrucciani se manda un solo económico y bello, entre otras cosas por eso, por su sencillez.

El Trabuco Venezolano

2010-05-30T12:39:00.004-03:00

El Trabuco venezolano fue una big band de música tropical creada y dirigida por el baterista y percusionista venezolano Alberto Naranjo en 1977. Esta versión de "Bilongo" sirve para apreciar en todo su esplendor el sonido colosal del Trabuco, con un sonero de la ostia como Joey Ruíz y particularísimos arreglos en la línea de vientos, que se salen de los caminos típicos.

Para los amantes del sonido "gordo" esto es un plato irresistible.

Un buen sonero y una canción con historia

2010-05-23T22:59:00.001-03:00

"El que se fue" la compuso Tito Rodríguez y algunas malas lenguas afirman que se habría inspirado en su archienemigo Tito Puente, quién se retiró de la orquesta de José Curbelo, que ambos integraban siendo muy jóvenes, y luego quiso regresar. Independientemente de si es verdad o no esta historia (son muy usuales este tipo de chusmeríos en el terreno de la música tropical) lo importante es que es una de las mejores obras que compusiera este insigne cantante borícua.

La versión que aquí se escucha es del sonero Ray de la Paz, uno de mis preferidos, y la hace junto a la orquesta Tito Puente dirigida por el timbalero José Madera (hijo de "Pin", saxofonista de la legendaria big band Machito and his Afro Cubans)

La música como celebración y divertimento

2010-04-04T12:27:00.003-03:00

Algo que siempre me llamó la atención de las juntadas de Ella Fitzgerald con las orquestas de Duke Ellington y Count Basie es cómo se divierten, cómo juegan y gozan en contraposición con ciertas poses de sufrimiento que se observa muchas veces en algunos músicos que, la verdad, uno no sabe si están verdaderamente en un orgasmo o en un suplicio.

Acá el propio Conde se ríe y Ella juega mientras devuelve todas las paredes que le tiran el Saxonista y el trombonista.

La música como celebración y divertimento.

Así de simple.

Alma y Vida

2010-04-02T16:16:00.010-03:00

Cuando en la segunda parte de la década del sesenta Leonardo Favio paró con la música para ponerse a filmar Juan Moreira, su banda operativa se transformó en Alma y Vida, uno de los experimentos más singulares y sólidos de la historia del rock hecho en argentina (que nunca me pareció merecer el mote de "nacional", pero esa es otra historia)

Habían descubierto en Montevideo aquél album de Blood Sweat & Tears que traía temas como "La Rueca" y "Me hiciste tan felíz" y la llave térmica de sus cabezas había saltado por aires.

Alma y Vida nace entonces inspirada centralmente en esa súper banda norteamericana que intentó abrazar al rock desde una visión y una instrumentación provenientes del Jazz. Bueno es reconocer que Alma y Vida logró una síntesis más coherente que BS&T puesto que éstos no lograron nunca ensamblar al Jazz con el Rock dado que la mayoría de sus canciones eran en realidad un tema que en la mitad cambiaba de ritmo y se armonizaba muy a la Jazz para luego volver como si nada a la balada del comienzo. Algo así como lo que hace Almendra en "A esos hombres tristes": introducir solos y estéticas jazzeras dentro de una determinada canción. Los Arco Iris también lo hicieron en muchas de sus obras.

Bien, Alma y Vida no se iba tanto al Jazz y sí revestía sus obras con una sonoridad de los vientos estupenda, que le otorgaban a su sonido una "gordura" y un sharme altamente distinguido. Recomiendo escuchar "Pintaré de poemas la ciudad" para disfrutar del trabajo de Baray y Moretto en saxo y trompeta respectivamente.

Me animo a señalar que Alma y Vida superó a su inspirador, e incluso fue musicalmente una banda más arriesgada que los propios Chicago, la otra gran formación contemporánea a BS&T. Nunca cayó en la tentación de hacer baladas o temas soul con solos de piano, trompeta, guitarra y saxo en el medio. En eso logró una síntesis mayor. Claro, tenía en su formación figuras monumentales como Gustavo Moretto, Juan Barrueco y Bernardo Baraj y un Carlos Mellino que de una manera muy singular lograba un sound cercano a la aspereza del gran cowboy David Clayton Thomas.

Se me dio por escribir esta semblanza al enterarme que el domingo actuarán gratis en Parque Centenario.

Será una buena oportunidad para darse una vuelta y ver si aún conserva aquél fuego creativo sagrado.

Eva Ayllon

2010-03-22T09:49:00.002-03:00

Eva Ayllón estuvo este año engalanado nuestro Festival de Cosquin.

Es la figura musical más importante que ha dado Perú en décadas.

Resume en su arte una capacidad interpretativa única, fraseo, sabor y calidad para moverse desenfrenadamente en los ritmos negros y al instante asumir en toda su hondura el drama de los valses criollos.

Y si se pone a salssar ¡Ay mamita querida!!

Disfruten de esta leyenda viviente.

Ensamble Gurrufio

2010-03-13T20:49:00.003-03:00

El Ensamble Gurrufio es una de las demostraciones de mayor virtuosismo con las que me he topado en mis varias y dilatadas décadas de "escuchador y pasador de discos"
Disfruten esta maravilla y naveguen un poco buscando información de esta verdadera maravilla de la música venezolana.

Una ley lamentable que premia a las discográficas

2010-03-01T07:40:00.002-03:00

Tanto Diego Fischerman, acá, como Litto Nebbia, acá, se refieren a una ley lamentable que aprobó a fin del año pasado la Cámara de Diputados. El tema es que se prolongó de 50 a 70 la propiedad de discos que alguna vez publicaron. Se extiende el derecho de las empresas discográficas, no de los autores. Litto Nebbia es muy claro en su columna: Los Gatos y él, como autor de la mayoría de las obras del grupo, no recibirán ningún tipo de beneficio por esta ley.

En tiempos donde el negocio del disco está en serios problemas antes que nada por el avance de las nuevas tecnologías, en tiempos donde por ende se impone buscar nuevas miradas sobre la distribución y circulación de la música grabada porque el diseño tradicional definitivamente ha sucumbido, llama la atención que el Congreso nacional atrase tanto y premie con una extensión de 20 años a empresas discográficas que precisamente no se han caracterizado en toda su existencia por defender la música, los intérpretes y los autores sino custodiar exclusivamente sus cuestiones comerciales.

Esto significó, por ejemplo, que decenas de discos nunca hayan sido reeditados porque a las empresas no le significaba un buen negocio, lo que significó que verdaderas obras de arte jamás hayan vuelto a editarse.Es acá donde irrumpe con toda fuerza la necesidad de debatir desde cero la comercialización de la música grabada, contemplando la contradictoria convivencia entre la salvaguarda de los derechos de los autores e intérpretes, tanto como del legítimo fin de lucro que persiguen las discográficas entendiendo que éste no puede estar por encima de los también legítimos derechos de los artistas.

Desde este punto de vista es que la sanción de esta ley llega tarde y enfoca la cuestión desde el peor lugar.

Elogio del respeto de los acentos

2010-02-28T17:31:00.005-03:00

Hubo una época donde el rock hecho en Argentina no sólo se desentendió de los acentos sino que hasta osó cambiarlos de lugar ("Te encontráre una mañana dentro de mi habitación", cantaba García mientras Gieco le respondía ("...es un cámpesino amigo del sol").

Hay una zamba monumental de Don Virgilio Carmona que se llama "Debajo de la morera" y ha recogido a lo largo de los años uno de los mayores atropellos en lo que a la violación de los derechos gramaticales de las palabras se refiere, es cuando en el estribillo dice:

Debajo de la morera
bailaremos esta zamba
pasaría la vida entera
cantando con toda el alma
pasaría la vida entera
debajo de la morera.

Ya Los Chalchaleros estamparon su "pasária" hace mucho tiempo y la mayoría de las versiones que hay por ahí de esta bella obra, reinciden en ese cruel atentado al acento, en ese "pasária" de tan mal gusto.

Hasta que la grabó Raúl Carnota y puso las cosas en su lugar demostrando que se puede respetar el acento sin necesidad de andar llevándolo de acá para allá como bola sin manija. Por momentos parece que introduce un tiempo más, así como quien abre la puerta de su casa para acobachar al pobre acento que anda penando en la intemperie, incomprendido, solo como en medio de un destierro y vapuleado por folkloristas de recia estirpe de esos que no se van a andar agachando por un acento de porquería: al fin y al cabo qué es un acento para andar mereciendo tanto mimo, canejo...

Así nos ha ido por andar prestándole tanta atención a ciertos garantismos ¿no, señora?

Acá está Raúl junto a Franquito Luciani y el master Rodolfo Sánchez demostrando que se puede cantar muy bien "Debajo de la morera" y dejar al pobre acento en paz.

Homenaje a Ariel Ramírez y Félix Luna

2010-02-28T09:55:00.004-03:00

Esta tarde, desde las 17.00 y hasta las 20.00, Ricardo Luis Acebal hará un especial dedicado a esta dupla, sin dudas una de las más emblemáticas de nuestra canción folklórica. Valga recordar que desde zambas como Alfonsina y el mar hasta obras como la Cantata Sudamericana y Mujeres Argentinas, por citar sólo algunas obras, salieron del piano de Ramírez y la pluma de Luna. Y no sólo eso: Fueron estos álbumes los que definitivamente instalaron a Mercedes Sosa en un sitial del que nunca más la negra bajaría.

Los especiales de Ricardo son entrañables, plagados de información, de data, de pequeños detalles y pletóricos en anecdotario. De modo que todos aquellos que quieran compartir tres horas de homenaje a Ariel Ramírez y Félix Luna, pueden sintonizar Cooperativa en el 740 de la AM (Entre Mitre y la Diez) y también vía internet entrando en http://www.radiocooperativa.com.ar/.

Cheo Feliciano "25 Años de Sentimiento"

2010-02-22T12:15:00.001-03:00

En mayo de 1984 Cheo Feliciano hizo “25 años de sentimiento”, un espectáculo para celebrar sus 25 años con la música. Ese recital, editado en LP y creo que nunca en CD aún – salvo en digitalizaciones del vinilo – es uno de mis platos preferidos en el terreno de la música tropical.

En esas noches Cheo repasó sus éxitos cantando y soneando de maravillas con el acompañamiento de una orquesta fabulosa, dirigida y arreglada por el tresero boricua Luis García.

Se destaca Luis Quevedo en el piano, prolijo, casi burocrático diría algún iniciado que sólo disfruta los fuegos de artificio y no logra saborear a un pianista que se dedica a tocar sólo las notas requeridas. Quevedo aparece en estas noches como “un pianista de orquesta” (digo esto haciendo un parangón mañero con “los cantores de orquesta” en terreo del tango, como Alberto Marino) apoyado en un sumamente inquieto José Gazmey que en el bajo se da el lujo de sostener a la Orquesta Sentimiento 25 y le sobra tiempo y sabor para improvisar y mandarse una octavas memorables.

Luis García eligió una coloratura no muy usual en la formación de vientos: Una soberana fila de trombones edulcorada por una flauta y un fluegelhorn.

Acá podrán ver el video de un mosaico donde recuerda algunas pachangas memorables de sus tiempos con Joe Cuba y podrán apreciar en todo su esplendor la grandiosidad de la orquesta que García reclutó especialmente para estas funciones

Chito Zeballos

2010-02-21T08:21:00.000-03:00

Chito Zeballos fue una de las voces con más "tierra" y sentimiento de nuestra música folklórica. Supo integrar junto a los eximios guitarristas Luis Amaya y Lalo Homer el trío "Tres para el Folklore", que revolucionó a comienzos de la década de sesenta nuestra música popular desde la faz instrumental.

Acá lo podemos ver a Chito en Cosquín 1993 donde fue uno de los contados artistas de esa edición del festival que homenajeó a Armando Tejada Gómez, que había fallecido dos meses antes. Interpreta "Hay un niño en la calle" "Canción de la ternura" y "Canción con todos"

Los Andariegos

2010-02-20T10:03:00.000-03:00

Recurrentemente digo que quizá Los Andariegos haya sido el grupo folklórico más completo que dio nuestro país dado que a las elaboradas armonizaciones vocales sumaban muchísima calidad en la instrumentación.

Este video recoge una presentación en el 2001 en el Olympia de París. Permanecen en el grupo tres miembros históricos y acaso esenciales: Cacho Ritro (charango y percusión) Raúl Mercado (Quena) y Agustín Gómez (guitarra)

Un solo de Jorge Dalto

2010-02-19T17:59:00.003-03:00

Jorge Dalto fue uno de los pianistas más creativos que dio Argentina. Lamentablemente falleció muy joven, pero dejó un legado musical fenomenal. En este video se lo puede disfrutar ejecutando un solo de mucha creatividad y tocando junto a figuras como Ray Barreto o el mismísimo timbalero Oreste Vilató y el entrañable tresero de puerto Rico Yomo Toro.

Vamos a ver si le damos impulso de un buena vez al Blogsito musical mostrando básicamente joyitas que andan por ahí olvidadas

Adios a Joe Cuba

2009-02-17T10:25:00.002-02:00

Y se murió el gran Joe Cuba, el creador de un Sexteto insuperable, el gestor de un “sonido” único, el líder de un combo que a través de los años se distinguió por su afiatamiento y su sonido compacto.
¿Será el vibráfono de Tomasito lo que lo distinguió?

¿Serán las voces de Cheo Feliciano y Jimmy Sabater?

¿Será el piano de Nick Jiménez o el de Alfredito Rodríguez, que supo teclear ahí un par de años? ¿Serán sus congas haciendo marcar el paso como se debe?

¿Qué será lo que singularizó a este grupo?
¿Y qué méritos tuvo Gilberto Calderón para reclutar tanto talento a lo largo de varias décadas? Seguro que muchos. Se me hace que fue de esos líderes con un olfato lo suficientemente sutil como para percibir antes que muchos que tal o cuál sonero o instrumentista tiene valores que lo realzan, que lo elevan sobre el resto. Un caso como Art Blakey, a quien se le atribuye una calidad extraordinaria para reclutar lo mejor de la escena jazzera durante varias décadas para sus Messengers.
Calderón supo tener sino a los mejores, a los más bravos, y eso vale.
Pero lo que más vale es la audacia para inventar un sonido en tiempos en que las grandes orquestas comenzaban a tener problemas de financiamiento. La crisis de finales de los cincuenta lo encontró a Calderón en el momento justo y el pibe que le recomendó Tito Rodríguez (Cheo Feliciano) junto a la irrupción sensual del vibráfono como sostén sonoro distintivo transformaron su agrupación en uno de las referencias insoslayables de la década de sesenta.
Un bolero cantado por Cheo y con el vibráfono ahí, bien al frente, confiere un clima de suntuosidad que se me figura inexorable para la tardecita de un sábado, cuando el sol comienza a bostezar. La previa de la noche sabatina con un disco de Joe Cuba o uno de Chico Buarque es siempre mejor…
No casualmente aquél disco esencial que marcó el regreso de sonero de la intoxicación tuvo formato instrumental a la Joe Cuba. No es casual.
También tuvo su impronta el gran Jimmy Sabater, que lo acompañó por más tiempo con su timbal y su vozarrón único. Jimmy cantaba las letras en inglés en tiempos en que estaba Cheo, pero luego arremetió también con las obras en español.
The Joe Cuba Sextet es de lo que más escucho, y junto a los discos de Charlie Palmieri constituye una de las marcas sonoras de una época.
Cuando un solista o agrupación se confunde con un tiempo histórico, seguro que estamos ante un elegido de los dioses, que ahora estarán en un rumbón exagerado y morboso, al ritmo de los parches del gran Joe Cuba.
Que así sea.

30 años de Siembra, de Rubén Blades y Willie Colón

2008-11-15T10:16:00.006-02:00

El album SIEMBRA, de Rubén Blades y Willie Colón está cumpliendo 30 años. En mi programa de radio realicé este especial para homenajear a este, sin duda uno de los más importantes en la historia de la Salsa.

El bloque 1 dura 21 minutos

El bloque 2 dura 24 minutos

Carta a Tite Curet Alonso

2008-11-14T23:29:00.004-02:00

Allá por el año 2002 le escribí una carta al insigne compositor puertorriqueño Tite Curet Alonso, en una fecha cercana a su cumpleaños. La encontré revolviento "mis documentos" y pensé que está bueno publicarla y compartirla con todos los visitantes del blog. Si alguien no lo conoce, le digo que es junto a Rubén Blades, le compositor más importante de la música tropical de los últimos 50 años.

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Hola Don Tite: Hace tiempo que andaba con ganas de escribirle, lo intenté algunas veces pero no me salía nada convincente, pero ahora como se viene su cumpleaños me pongo a redactar y, salga lo que salga, voy al Correo y se lo envío.

Mandarle un carta a Curet Alonso, que se ganó la vida en un Correo ¡Qué coincidencia!

¿Porqué tuvo que trabajar en el Correo, Don Tite, no le alcanzaba con los Derechos de Autor? Siempre me lo he preguntado.Usted no sabe nada mí, Don Tite. Soy argentino y amo la música afroantillana. A usted lo descubrí por Cheo. El primer tema suyo que le escuché fue SALSALUDANDO. Usted sabe como es Cheo, cuando un disco suyo entra en una casa, no sólo no se va más sino que al poco tiempo tiene cría. Bueno, eso pasó en la mía. Pero luego fui cayendo en la cuenta de otras obras suyas: Las que hizo para La Lupe, para Lavoe, para Marvin Santiago, Maelo, Tito Rodríguez, etc,etc. Le cuento que trabajo en Radio y le hablo mi audiencia de su obra y de su importancia. Lo sitúo a la altura de Rafael Hernández, Pedro Flores o Bobby Cappó y si me deja, un poquito más arriba...Porque si tengo que buscar un autor que me enseñe de la vida, del trabajo, la historia y los amores, lo elijo a usted, sin dudas. Y no piense que exagero o que le estoy "chupando las medias", como decimos en mi tierra, en absoluto, fíjese: Cuando uno ve imágenes escuchando una canción, señal que es muy buena. Eso me sucedió la primera vez que escuché JUAN ALBAÑIL, veía al albañil con su hijo caminando por el centro de cualquier ciudad latinoamericana (Porque sabrá usted, Don Tite, que la injusticia estaba ya globalizada antes de que aparecieran Fukuyama y toda su corte de mercenarios pagados para estrellar aviones en las torres donde vive esa pobre vieja que es la historia). Emparentaba ese tema con CONSTRUCCION de Chico Buarque y CAMINITO DE LA OBRA de Joan Manuel Serrat.

Cierta vez, leyendo al antropologo cubano Fernando Ortíz, me enteré de las discuciones entre los investigadores sobre el famoso Areito de Anacaona. Que si existió ese Areito y si, asimismo, existió la mismísima Anacaona y demás cuestiones. El hecho que ahí me dije: "¡Oh! Mira de dónde viene el asunto y cuánto a estudiado el Tite".Y bueno Don Tite, pensaba comentarle por lo menos 15 canciones suyas pero en un rapto de lucidez me dí cuenta que no le hará mucha gracia, o que será "llover sobre mojado"He leído por ahí que por problemas legales no difunden sus canciones en Puerto Rico ¿Es cierto? Me cuesta creerlo. Es como si aquí no se difundieran las obras de Discépolo o Yupanqui.¿Sabe? Como el NO lo tengo -como con las mujeres- me arriesgo a formularle una pregunta, Don Tite: ¿Cómo hizo para hacer funcionar su cerebro a la manera femenina? Me refiero a los boleros que escribió para La Lupe, aunque LA TIRANA lo había escrito antes para un tal Ledesma y luego lo moificó para la Yiyiyi ¿No?. Pero vuelvo a la pregunta, pues usted sabe mejor que yo que la cabeza del hombre funciona distinto que la de la mujer. Le digo esto ya que escuchando esas letras me asombra la "femeneidad" que poseen. Si pudiera decirme algo, agradecido. Perdone que sea pesado, Don Tite, pero una vez que obtuve su dirección permítame el gustazo de escribirle, usted sabe: Uno escribe con pasión y amor. Cuando lo escrito es una carta, la certeza de que sea leída es poca, en teoría sólo una persona le leerá o botará a la basura. En cambio una nota periodística...(En rigor, cuántas notas periodísticas van a parar a la basura. Más que las cartas)Pero bueno, vuelvo a ponerme pegajozo. Hay un tema suyo que me conmueve cada vez que lo escucho: ESTAMPA MARINA ¿Sabe que lo veo sentado en la playa, mirando a los pescadores? ¿Sabe que lo veo llegando a su casa apurado, como en esos momentos donde entrega la vida misma por el "Water" -como dicen en España- tomar una pluma y escribir "de un saque" esa obra de arte? Otra pregunta, don Tite ¿Usted no le ha sugerido soneos a Cheo? O mejor dicho: Este soneo que está en ESTAMPA MARINA:

"CECILIO MIRA DIJO QUE NO IBA

ESE HOMBRE SABÍA PORQUÉ"

Más allá que esas dos estrofitas resumen de manera brillante la experiencia del "baqueano"; más allá de cómo la poesía puede en pocas palabras ser más contundente que un ensayo, se lo pregunto por el "Mira" que está entre "Cecilio" y "Dijo". Porque ese MIRA rompe la métrica ¿Me explico? Pero cada vez que lo oigo pienso que Usted escribió:CECILIO DIJO QUE NO IBA / ESE HOMBRE SABIA POR QUE... Pero luego Cheo, al cantarlo notó que no entraba, como que le faltaba algo y entonces introdujo ese "MIRA". Esto viene a cuento porque una de las características de Cheo es introducir palabras que le ayanan el tempo del soneo, como cuando en FELICITACIONES canta:

FELICITACIONES PARA MI QUE YA ENCONTRE

AY MIRA MAMA LEJOS DE TI, MI FELICIDAD"

Ese "AY MIRA MAMA" lo introdujo él ¿NO?

Bueno Don Tite, basta de elucubraciones. Ya parezo esos que cuando se conoció EL RATON decían que era un mensaje subliminal contra el imperialismo y los otros que interpretaban el HECHALE SEMILLA A LA MARACA PA' QUE SUENE" como una apología de la droga. Quédese tranquilo que ya emprendo la retirada. Si al leer estos útlimos párrafos se preguntó porqué no interrogo al propio Cheo sobre estos asuntos, le respondo que entre él y yo (o entre él y el mundo) hay una cortina de hierro: Cocó. Siempre me responde ella: "Cheo dice que gracias" "Cheo dice que estuviste muy chévere", etc, etc. He llegado al final, Don Tite. Toda esta perorata es para decirle que lo admiro, que he aprendido mucho de la vida con usted y que le agradezco a Dios, Marx, Alá, la naturaleza o quién sea, que la tierra haya parido una figura como usted.Esta carta se la mando un par de días antes para asegurarme que el martes, cuando apague sus 76 velitas, le haya llegado.Con todo el cariño y respeto.

Gerardo Fernández

Buenos Aires

Argentina

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Aquí podrán escuchar "Estampa Marina" por Cheo Feliciano, del álbum "Estampas" Presten mucha atención a los soneos, al arreglo de trombones, al puente que musicaliza dramáticamente imagen de los remos golpeando contra la costa. Por supuesto que la dirección musical de este disco fue de Papo Lucca...

La Gorda Graciela

2008-11-13T07:35:00.003-02:00

Graciela Pérez, conocida artísticamente como “La Gorda Graciela”. Hermana de Machito. Integró el conjunto Anacaona, una de las primeras agrupaciones de mujeres de la música cubana. Se fue a Nueva York y se transformaría en la voz femenina de la big band de su hermano “Machito and his Afrocubans” que dirigía el gran Mario Bauzá (casado con su hermana Estela)
La característica de Graciela es su poder de comunicación. Su gracia para los mambos y guarachas picarescas, su emoción en el bolero desgarrador y su erotismo en las letras provocadoras.
Lamentablemente la obra de mujer no es tan conocida como debiera. Tiene algunos discos grabados con Bauzá que son excepcionales.

Aquí pueden escuchar "Sobando el Son" de su LP "Esta es Graciela", de 1963

Redescubriendo a Hugo Díaz con su hija mavi

2008-09-16T11:26:00.002-03:00

Hugo Díaz fue uno de los músicos más impresionantes que dió Argentina. Era un improvizador nato, una "jazzero" de aquellos. En su corta vida (murió a los 50 años) nos dejó más de 30 Long Plays que están clamando por su digitalización.
Como armonicista es estudiado en todo el mundo puesto que desarrolló el instrumento hasta lugares jamás imaginados.
Su esposa fue Victoria, hermana de Domingo Cura (amigos de la infancia)y a la vez una de las cantantes más electrizantes que dió Santiago del Estero.
Sobre estas y otras cuestiones conversamos días pasados en la radio con Mavi, la hija de Hugo y Victoria, la que muchos recordarán como una de la "Viudas e hijas de Roque Enroll"
Mavi presenta su disco "Baile en el cielo" en sábado en el IFT.

La cantante triste

2008-03-06T19:04:00.003-02:00

¿Cuándo fue que irrumpió Luciana? A comienzos de los setenta ¿no? En esa camada en la que estaban también Silvana Di Lorenzo y Manuela Bravo, entre otras.
El derrotero de esta mendocina pareciera que estuvo determinado por la indefinición estilística. Habiendo arrancado como una típica cantante de baladas melosas, luego intentó trasuntar repertorios un poco más profundos y luego de un disco que por 1982 editó con producción de Litto Nebbia abandonó los escenarios y estudios de grabación.
Unos pocos años antes, Hugo Guerrero Marthineitz ponía todas las santas tardes su versión perfecta de esa obrita de arte de Héctor Negro y Carmen Guzmán que es la milonga “De Buenos Aires Morena”, tema que titula el álbum editado en 1980 y cuya foto ilustra este post.
En este disco hace, además, buenas versiones de “Cuenta conmigo” y “La palabra fin”, de Chico Novarro.
¿Y te acordás de “Ha veces me parece”? Esa está en el LP “Luciana”,d e 1975. Este LP tiene una versión tímida de ese tórrido bolero de Benito de Jesús, titulado “Sigamos pecando”. Seguramente, si hoy Luciana entrara nuevamente a un estudio de grabación, realizaría versiones más sólidas, mas confiadas, porque condiciones le sobraron siempre.
Vaya entonces este humilde homenaje a una buena cantante que al escucharla siempre me dejó una “cosita” tristonga en el almita.

Cuando era chico...

2008-03-03T11:21:00.002-02:00

Cuando era chico sonaban por todos lados Los Cinco Latinos, por eso la voz de la Raval me trae saudades de niñez, me transporta a momentos difíciles de describir. Por ahí aparece una imagen nocturna, cuando mi cuna estaba en la pieza de mis padres y mamá se dormía con una radio portátil hermosa, que tenía una funda de cuero marrón.
Junto a Los Cinco Latinos aparece el recuerdo del inmenso Chango Rodríguez, que allá por la primera parte de la década del sesenta era el guitarrero de moda (Cuánto hemos retrocedido en materia de artistas populares ¿no? En los sesenta mandaban el Chango y Cafrune, ahora el Chaqueño y Jorge Rojas...)
Luego el Chango fue a la cárcel, creo que por matar a un tipo, y su voz se perdió paulatinamente. Estando preso compuso “Mi luna cautiva”, fijate donde dice “acércate a la reja / sos la dueña de mi alma / sos mi luna cautiva / que me besa y se va”...
Mi infancia también estuvo musicalizada por Violeta Rivas ¡Y cómo! Si la blonda era la Shakira del momento...
Por ahí descubro hoy que también me conmueven los pasodobles y la música española. Obvio, si por aquellos años estaban aún vigentes las “Romerías Españolas” y uno de los lugares más populares era el “Prado Español”.
Vengo de un pueblo con un 70 % de raíces españolas, y eso se notaba en el sonido de los bailes y las fiestas.
Eran tiempos donde, al contrario de lo que pasa hoy, la Radio formaba orejas: Mis primeros encuentros con Mina; Ella Fitzgerald; Los Huanca Hua; Sergio Mendes o Burt Bacharach se dieron en esa radio marrón que aún acompaña a mi madre día a día. En esa misma radio donde mi padre por las noches, antes de irse a dormir ponía las famosa “Onda Corta” creo, sospecho, que buscando noticias del General...
Por las noches cenábamos escuchando “Argentinísima”, el programa ícono de Julio Márbiz.
¡Qué bueno estaba eso!! Sonaba Yupanqui; Chacho Santa Cruz; Robustiano Aráoz; María Elena; Hernán Figueroa Reyes con su “Zamba del cantor enamorado”...
Y por mis hermanos llegaron, con el Winco, Los Iracundos; Palito Ortega; Los Gatos; Sandro; Adamo; Raphael y Abbey Road con Paul descalzo, de traje y con el paso cambiado (Mamá se compró para ella “Estudio Uno” de Mina y “Mon Amour” de Caravelli, que arrancaba con “El mundo que conocimos”.
Naturalmente que también sonaban Los Wawancó y el Cuarteto Imperial. Ya en esa época se despreciaba a la cumbia. A todos los ritmos tropicales se los englobaba despectivamente con el término “Pachanga”, desconociendo entre otras cosas que la Pachanga es un género cubano creado a comienzos de los sesenta pro Eduardo Davidson.
Luego llegaría la adolescencia y el descubrimiento del Rock Sinfónico y luego del Jazz y la música del Brasil para anclar definitivamente en la música tropical con centro y eje en Cuba. Uno fue deambulando por disquerías y por géneros musicales, pero con el convencimiento de que un niño de los sesentas tenía un panorama musical más amplio que hoy. En aquellos años, aún sin internet, cable, TV, Frecuencia Modulada y mp3, se escuchaba música más variada que en la actualidad. Había más oferta.
Vaya curiosidad: cuánto más accesible es la música, sólo se escuchan los Hits. Y hoy un niño no tiene la chance de descubrir por la radio a Louis Armstrong...

2008-02-25T17:50:00.005-02:00

Vicentico Valdés me suena antiguo, pero bellamente antiguo. Seguramente porque sonaba mucho en las radios cuando yo era pequeño.
Un día descubrí su versión de “Los aretes de la luna” y caí en una conclusión de perogrullo: “Canta como los dioses”...
Y sí, se cantaba la vida y se afinaba todo. Por sobre todas las cosas era un cantante muy fino, muy delicado que dejó versiones indelebles de obras como “Decídete mi amor”; “Envidia” y hasta una exquisita versión abolerada del tango “El último café” de Aníbal Troilo y Cátulo Castillo.
Si hay voces que remiten a los cincuentas, creo que junto a Tito Rodríguez, Vicentico forma una pareja sin igual.
En este Long Play, cuya tapa ilustra el post, lo encontramos acompañado, entre otros, por músicos de la talla del panameño Vitín Paz y el cubano “Chocolate” Armenteros (dos de los mejores trompetistas de todos los tiempos en la música tropical); Bobby Rodríguez en el bajo y José Mangual en los bongoes. Y por si fuera poco, los arreglos y dirección están a cargo del maestro René Hernández, quizá uno de los músicos más sólidos que diera Cuba en el siglo pasado.
Y en esta placa Vicentico engalana una de las obras más asquerosamente lúmpenes de la historia: “Negro de sociedad”, donde el protagonista le pide a su negra que no baile bien la Conga porque “se le va a notar el barrio” y el es un negro fino... (El tema es gracioso pero da un asco...) y hace una versión muy sabrosa de “Cumbia que se va de ronda”, aunque se nota que la cumbia no es cosa fácil para músicos no colombianos.
Un consejo: Si querés saber de qué se trata el bolero, o si te interesa encontrar argumentos de peso para ratificar que Luis Miguel no existe, salí de ronda por las casas de usados y buscá LPs de Vicentico Valdés.Después me contás.

El Trombón me puede...

2007-12-23T00:51:00.000-03:00

Debe haber sido “Mister Trombone” la primera referencia que tuve de este bello instrumento. Es que este hacedor de covers sonaba mucho allá por la década del sesenta. El caso es que un buen día caí en la cuenta de que el sonido del trombón me atrapa, me puede, me seduce, me encanta. Entonces comencé a revolver el altillo de la memoria para encontrar las pruebas; para entender dónde y cuándo surgió esta debilidad.
Y de a poco van apareciendo, contundentes, las evidencias:
Entre las primeras marcas está, sin dudas, la versión de “Bésame mucho” de Ray Conniff. Ahí está el trombón con toda su majestuosidad:
BOM BOROM BOMBOROMBOBOBOMBOM...
(Ese Long Play, titulado “Digalo con música” sonaba muchísimo en aquellos tiempos, recuerdo la versión de “Brasil”, también con el trombón al frente. Mas tarde Conniff casi dejó de tocar y el trombón perdió preeminencia en su música)
Luego viene la famosa “Fantasía de Trombones” de Maysa Matarazzo. Ahí está una montonera de trombones haciendo de las suyas y en el medio esa obrita de arte llamada “Mi mundo cayó” quizá una foto de la pobre vida que tuvo Maysa.
Y seguimos buscando pistas: Cómo no anotar acá la intro que hace Burt Bacharach de “Rezo una pequeña plegaria” Ahí también talla fuerte un trombón (es más, esa intro debe ser una de las cinco mejores de la música popular de los últimos 40 años)
Y por supuesto el comienzo de "Cotidiano"del holandés Chico Buarque... Ahí también el trombón se hace presente en todo su esplendor.
En plena adolescencia fue el trombón de Blood, Sweat & Tears el que me conmovió, básicamente en la Sinfonía para el diablo. Creo que ahí usan un Trombón bajo, lo que es aún más soberbio.

En esa época también me topo con el álbum “UNO” de Bob James. Básicamente con el tema “Valle de las Sombras” En esa obra densa y oscura también creo recordar a Urbie Green creando unos climas fantasmagóricos...
Es que el trombón engorda el sonido (el concepto de “gordura” en la música lo inventó mi amigo Tito Serra, lo aclaro para que no me cobre...) El trombón da clima, suspenso, erotismo y llega a ser trágico como pocos instrumentos. Además cuando te ponés a ver que las notas se hacen soplando, colocando la lengua en distintas posiciones y ajustando la vara, te querés morir... (Por eso en los tiempos frenéticos del Be Bop, el trombón quedó un poco aletargado, dado que por el modo en que se forman las notas, es un poco lento en comparación con el resto de los instrumentos. No obstante hubo por entonces trombonistas maravillosos como Jay Jay Johnson o Kay Winding y más tarde Curtis Fuller. Pero en los últimos tiempos, trombonistas como Conrad Herwig han hallado métodos que lo han agilizado muchísimo)

Mucho, pero mucho tiempo después conocería a grandes trombonistas de la música tropical como Barry Rogers; Papo Vázquez; Juan Pablo Torres o el “Tojo” Generoso Jiménez. Mucho tiempo después me toparía con la “Trombanga” de Eddie Palmieri, aquella idea que, precisamente, le propuso Barry Rogers de reemplazar los violines por trombones en la formación de Charanga (siempre es bueno aclarar que la Charanga es una formación orquestal, no un ritmo)

Mucho más tarde aún me deslumbraría con el portorro William Cepeda, tremendísimo trombonista que además le saca al intrumento toda su capacidad de sugerir climas tórridos

Y bueno, es fácil deducir por qué mis corazón musical se ancla a menudo en la tropical ¿no?

SONIDOS DE MI VIDA: BLOOD, SWEAT & TEARS

2007-12-08T19:29:00.000-03:00

¿Qué hacía este disco en casa de los suegros de mi hermana? Nunca me lo pude explicar, porque tanto mi cuñado como su hermano no tenían noticias de Blood Sweat & Tears y sus padres, menos aún.

Visto esto desde el 2007 no deja de ser llamativo dado que no ocurrió en Buenos Aires ni en una ciudad importante, para nada. Esto pasó en Salliqueló, un pueblo de 7000 habitantes y en tiempos donde los diarios llegaban al día siguiente, donde para ver tele había que montar una antena de 20 metros y rogar que estuviese nubladón para sintonizar los canales 7 y 9 de Bahía Blanca y para comunicarse por teléfono a larga distancia, había que solicitar la comunicación a las 10 de la mañana para, con suerte, hablar a las 17.00.

Fue un domingo de 1976 o 1977 que lo vi en una de esas típicas parrillas para Long Plays, que estaba debajo del televisor. Pregunté si me lo prestaban y me lo llevé para transformarlo en uno de los discos que más escuché entre los 15 y 20 años.

Ya por casa había pasado el famoso disco de 1969 de Blood, Sweat & Tears, el de “La Rueca” y “Me hiciste tan feliz” merced a Eduardo Falcón, que se lo había prestado a mi hermano Oscar.
El caso es que con B,S & T tuve mis primeros acercamientos al jazz o si se quiere a un sonido jazzero. Me deslumbró desde el vamos el trío de vientos (Saxo, Trompeta y Trombón), las variaciones en el ritmo, los arreglos y, por supuesto, David Clayton Thomas con su voz de vaquero y pose se Sheriff...
(Veintipico de años después, en un reportaje que le hice a Bernardo Baraj en la efímera FM Original del barrio de Núñez, me enteré que Blood, Sweat & Tears había sido el modelo bajo el que se constituyó el memorable conjunto “Alma y Vida”. Bernardo me contó que los integrantes del grupo eran la banda operativa de Leonardo Favio y que al descubrir en Uruguay el LP de 1969 de B, S & T se les había partido la cabeza. Como al poco tiempo Favio hizo un parate para filmar una película, los músicos aprovecharon para constituirse como banda y así nació Alma y Vida (Baraj, Barrueco, Carlos Mellino, Gustavo Moretto, Villalva y Hualde, tremenda formación)
Vuelvo al LP “3” de B, S & T. Contiene temas inolvidable como “Lucrecia Mc Evil”; “Someyhing’ Coming’ On” y la tremenda “Sinfonía para el Diablo” 7 minutos con 49 segundos de suspenso que sirvieron para fijar mi devoción por el sonido del trombón (de esto hablaremos en otro momento)
¿Y qué pasa cuando se vuelve a escuchar este disco 30 años después? Pasa que uno siente que fue un privilegiado al degustar en plena adolescencia esta música y pasa también que en esta placa están muchas de las tendencias que luego irían confeccionando sus “papilas auditivas”.
Cierto es que con tanta música escuchada desde aquellos años hasta el presente ahora se nota que los pibes pegaban arreglos jazzeados a veces en cualquier lugar, pero lo hacían con gracia. Por ejemplo en el tema “He’s a Runner”, que empieza como una balada lenta, le meten un arreglito de trío de jazz bellísimo, bién en el estilo de Oscar Peterson pero que no tiene absolutamente nada que ver con el tema (Como Almendra en “A estos hombres tristes” o las mudanzas jazzeras que se pegaba Ara Tokatlian con los Arco Iris en los setentas).
Algo es cierto, para la media del rock de entonces la gente de B, S & T tenían una muy buena formación musical, incluso esto lo remarca el alemán Joachim E. Berendt, uno de los tipos que más sabe de Jazz en todo el mundo.
No me cabe duda que mas tarde o mas temprano se volverán a escuchar estos discos pues los pibes buscan, hurguetean y saben valorar la música que hizo historia.

Y APARECIO QUINCY JONES

2007-12-04T21:18:00.000-03:00

Y con Quincy la cabeza empezó a crujirme como nunca. No me daban los sentidos para procesar tamaña cantidad de información. Claro, a los 15 años ignoraba que estaba escuchando a uno de los músicos mas deslumbrantes que dio Estados Unidos.
Todo empezó con el álbum Smackwater Jack, esa joya que contenía temazos como “Tema de las cintas de Anderson”; “Ironside”; “Odisea de los blues de guitarra de raíces a frutos” y una larga y suntuosa versión de ese himno antidiscriminación que es “¿Qué está ocurriendo?”.
Imaginate al pibe que venía de Pastoral y Sui ...Imaginate esa cabeza... En realidad hubo otros dos discos que me enloquecieron por esos años: “Uno” de Bob James y “Spectrum” de Billy Cobhan. Pero el más denso, sin dudas, el de Quincy.
Luego mi hermano compró “El ardor de tu cuerpo”, de 1974, un disco donde Quincy se mete de lleno en el soul y que tiene como belleza destacada una versión bien “efeeme” de “Vino Betty”, del saxofonista tenor Benny Golson.
Y bueno, la llegada de Quincy a mi discoteca fue la base de mis búsquedas musicales posteriores. ¿Viste cuando en una disquería encontrabas un LP de un tipo desconocido pero lo comprabas pues los músicos que figuraban los junabas de otro lado? Bueno, en eso Quincy fue, para mi, un soporte indispensable. A vuelo de pájaro nombraré algunos músicos que conocí por sus participaciones en discos de Quincy:
Ray Brown, Milt Jackson, Eric Gale, Steve Gadd, George Benson, Toots Thielemans… y la lista sería larguísima.
Con el paso de los años me fui enterando que, por ejemplo, Milt Jackson fue uno de los vibrafonistas más importantes de la historia del Jazz, integrante del mítico The Modern Jazz Quartet; Que George Benson es uno de los guitarristas más finos de la escena musical norteamericana; Que Thielemans es un armoniquista belga que patentó SU sonido tanto con el instrumento como con su silvido... en suma, Quincy fue para mí el gran presentador, el músico que me abrió la puerta nada menos que al jazz y lo mejor de la música negra.

Sonidos de mi vida: LOS TROVADORES

2007-12-01T22:57:00.001-03:00

Corría alocada la primera parte de la década del setenta y al pueblo fueron a actuar Los Chalchaleros. Reventaron la sala del Cine Teatro Español.
Poco tiempo después fueron Los Trovadores y juntaron la misma cantidad de gente.
Esto sirve para ilustrar que, de los grupos vocales, los Trova fueron, de lejos, los de mayor arrastre popular.
Tuvieron varias virtudes pero la que se me pone como central es que los tipos lograron un sonido fácil de digerir por cualquier tipo de oído. Los Trova sonaban fácil haciendo cosas complejas. He aquí la maravilla. He aquí porqué se daban el lujo de mojarle la oreja a los Chalcha en cuanto a poder de convocatoria.
También tuvieron suerte porque voces como las de Francisco Romero y Carlos Pino surgen de a una cada medio siglo. Y bajos con cuerdas vocales de madera como Quito Figueroa lo mismo. Resulta que un montonazo de azar los hizo coincidir en un mismo tiempo y en un mismo grupo. Y resulta también que entre 1967 y 1969 pasó por ahí Damián Sánchez, quizá el tipo que más sabe de arreglar y dirigir conjuntos vocales en el terreno de nuestra música popular. Con Damián los Trova editaron dos Long Plays Exquisitos (El del 68 “Música en Folklore” es definitivamente soberbio) Luego siguieron como cuarteto pero la impronta de Sánchez dejó una huella tan profunda que el grupo editó dos o tres discos fenomenales, mezclando obras de crudo acento testimonial, como “José Junco” del Chacho Müller con recreaciones majestuosas de clásicos como Kilómetro 11 y zambas de bellísimo romanticismo.

La tapa que ven arriba es del LP "Los Pueblos de Gesto Antíguo" que se editó en 1978 y fue el último del cuarteto Romero; Pino; Anzorena; Figueroa.

Luego sobrevendrían exilios, separaciones, cambios en la formación pero, lamentablemente, ya nada sería como en los sesentas y setentas.

Sonidos de mi vida: VICTOR HEREDIA

2007-11-28T20:00:00.001-03:00

Fundamental para abrirme la cabeza en lo ideológico-político. Este disco del negro junto a “Regreso del juglar” de César Isella y “Los Pájaros de Hiroshima” de Los Trovadores contribuyó a “salvar” mi cabeza de adolescente de pueblo chico. Tener 15 años en 1976 y vivir a 500 Km de Capital, con padres que compraban “La Nación” auguraba un destino de la llamada “Cría del Proceso”. Estos discos, también los de Serrat y Alberto Cortéz me “perfilaron” para el lado de la protesta.

LE PARIS D'YVES MONTAND

2007-11-28T19:54:00.001-03:00

La primera vez que escuché “C’Est si Bon” sentí un extraño estado placentero. Creo que por primera vez la música me hacía sentir cosas como suntuosidad, oropel, alto nivel, etc. Y creo también que las tres primeras notas tocadas por esos trombones fueron el detonante para mi posterior amor por ese instrumento.
Pero este disco no acaba aquí. Es una síntesis de la canción francesa con temas como “Las hojas muertas”; “Bajo los cielos de París”; “La vida color de rosa” y la voz de Montand recordándonos que ya casi no existen esas figuras que actuaban, cantaban, bailaban, y todo lo hacían bien

Charles Aznavour

2007-11-28T19:23:00.001-03:00

Fue el segundo LP de Aznavour que compró mi hermano. El primero, naturalmente, el de “Venecia sin ti”; “Te espero”; “Adios a la mama”; “Ce’est finí” (dedicado a Eliaschev); “La bohemia”; “Con” y tantos otros exitazos.
Pero este disco no se queda atrás. El tema que le da título a la placa por si solo justifica la inversión. “Que solo estoy” remite a un hombre solo, muy solo y consciente que fueron sus errores los que lo sumieron en ese estado sombrío. En un pasaje dice “Tengo defectos y quien no / cambiar no es fácil a mis años... ¡Maestro!
Aznavour es un grosso mal, muy mal. Hay otros temazos aquí como “Si vienes a mí” u “No sabré jamás” con acompañamiento de una big band bien gorda. “Viví” y el muy difundido por entonces “Placeres antiguos”.
En este país tan adorador de Serrat, Sabina y Silvio, se le debe un reconocimiento mas explícito a Charles Aznavour, un peso pesado de aquellos.

Emerson, Lake & Palmer

2007-11-28T19:21:00.001-03:00

Fue el primer disco que me compré y la operación se hizo en la ciudad de Neuquen, adonde fui con mi familia a visitar a mi hermana que estaba viviendo allí (De paso, recuerdo que en el viaje de ida, llegando a Villa Regina, escuché en la radio del coche a Chico Buarque haciendo “Construcción” y un comentario de mi hermano sobre el sentido de esa letra. Hasta el día de hoy me aparece la foto de ese instante en la cabeza toda vez que suena este himno de Buarque)
Pero volvamos a Tarkus. Yo había escuchado cosas del trío merced a unos amigos mayores de mi pueblo, pero no había entendido nada, es la verdad. Y Tarkus me costó –cómo negarlo- pero me acompañó toda mi adolescencia y se mandó sus buenas influenciaciones, sin ir mas lejos en el disco “Agitor Lucens V” que Arco Iris sacó en 1975, hay un tema que es un choreo descarado de este disco de ELP.
¿Habrá sido lo mas logrado del Rock Sinfónico ELP? A veces pienso que sí.

AGUSTIN PEREYRA LUCENA

2007-11-28T19:03:00.000-03:00

Este disco fue el que me introdujo al fascinante mundo de la Bossa Nova. Es un disco exquisito con notables versiones de clásicos como “Canto de Hosanna”; “Samba do aviao”; “Berimbau” y, especialmente, “Tema para Martín”, con la voz pequeñita pero exacta de Elena Uriburu ¡Qué belleza por Dios!!!!
Con los años llegué a conocer a Agustín y realizarle una muy buena nota. También tuve el gusto de conocer a uno de sus mas fieles compañeros de aventuras, el multiinstrumentista Guillermo “Billy” Reuter. La vida, a veces, da vueltas en el buen sentido.

Te acordás del Beto Asurey

2007-11-28T18:19:00.001-03:00

No editado en CD.
Este dico del Beto Asurey es una verdadera joya. Incluye dos de las mejores canciones que se han compuesto por estas tierras sobre fútbol: "Sobre la hora" (Alma de win) y la "Milonga Tablonera". El LP arranca con "Desde el billar", una foto potentísima de la reapertura democrática.

No tires tus discos!!!

2007-11-28T17:59:00.000-03:00

En cada canción de ese LP va un pedazo de tu vida. Si no tienes problemas de espacio, por favor mantené esos vinilos que es una forma de mantener el sonido de tu historia personal.
Y si no ténes como reproducirlos, digitalizalos, pero no te deshagas de esos tesoros.
Sufro cuando veo long plays con dedicatorias en las casas de usados ¿Cómo puede ser que eso que una vez fue regalado ahora esté juntando polvo por dos pesos?